一部电影的主要贡献来自导演、制片人还是来自明星？用这样的标准来区分电影，则强调了所有的电影制作都是商业行为这个事实，不管其电影的质量是归因于一个人还是多个人。对电影的艺术品质的思考必须包含着对它的工业体系的了解，孤立地看待一个艺术家或技术人员的工作是非常困难的。好莱坞和欧洲电影自1960年代以来已经逐渐融合，这使得在一个多人共同创造出来的电影作品中，试图鉴定出个人的表达方式已经越来越困难。

相比在美国大工业体系下完成指派工作、领取薪水的工匠式的导演而言，一位独立的电影导演能够选择、拍摄甚至剪辑他自己的素材，这样的导演有着更大程度的创作控制权－－这点不言而喻。基于类型考虑的好莱坞电影（比较一下1930年代的歌舞片［musical］、1940年代的黑色电影［film noir］、1950年代的科幻片）意味着公式化的电影制作（和电影解读），与此相反，艺术电影强调独特的灵感和个人的表达方式。

然而，作者论（politique des auteurs，由法国新浪潮［Nouvelle Vague］影评人特吕弗于1954年提出）虽然促进了电影作者身份的初步研究，但其基础竟是对制片厂培育出的众多导演的研究。由于发现他们的影片中重复出现着同样的主题和风格特征，使得类型电影制作具有独特个性，这些导演在制片厂制度中的个人作者身份才确立起来。这些早期作者的荣耀缘自在重复使用类型叙事时加入个人风格，而后来的艺术电影作者，如伯格曼、戈达尔（Godard）、安东尼奥尼（Antonioni），则有着不同的主题、统一的个人风格。早期好莱坞电影作者与后来的欧洲艺术电影作者的不同之处在于，后者认识到脱离商业压力和外在干涉后所得到的自由。